与马格南的第六次近距离接触

早在九月底的时候,張乾琦老師又在深圳开讲座了,但当时的我由于杂事缠身,就没有来得及去参加,也就错过了再次与張乾琦老師面对面交谈的机会。但就在前几天,Alex Majoli 和 Christopher Anderson 也来深圳开讲座了,这也算是弥补了上次没去听張乾琦老師讲座的遗憾。接下来我就分享下这次同时与这两位马格南大师近距离接触的心得吧。

 

先说说客串的吴家林老师吧

Alex Majoli 和 Christopher Anderson 这次来深圳的主要目的还是举办工作坊,而吴家林老师也被请来了担任工作坊的指导老师。而这一连三场的讲座都在10月10日–10月12日这期间举行——吴家林老师的讲座是在10月10日,而 Alex Majoli 和 Christopher Anderson 则分别在10月11日和10月12日。

虽说过去我对吴家林老师几乎是没有任何的了解,只知道他是以拍摄云南、中国乡土人情风貌著称的摄影师,但通过这次的讲座我发现吴家林老师也是个挺有意思的摄影师,他也分享了不少具有启发意义的心得。我觉得自己真的应该要多去了解中国摄影的历史和现况了,毕竟说到底我也是个中国摄影师啊(笑)。

 

关于「摆拍」与「抓拍」

Images à la Sauvette(左)和 The Decisive Moment(右)

吴家林老师在讲座开始就指出一个让很多人都想不到的事实:Henri Cartier-Bresson 在1952年发布的那本后来被人们翻译成「决定性瞬间」(The Decisive Moment)的法文原版著作书名叫 Images à la Sauvette,直译成英文应该是 Images On the Run,意为「抓拍的影像」。但由于英文版的书名是意译的 The Decisive Moment,导致后来人们往往称其为「决定性瞬间」,这实际上让 Henri Cartier-Bresson 感到非常不满。

非洲坦噶尼喀湖,1931年 / © Martin Munkacsi

吴家林老师还分享到当初启发 Henri Cartier-Bresson 开始抓拍的是 Martin Munkacsi 在1931年拍的那张三个黑人小孩奔向大海的照片(上图),这大概也是为什么 Henri Cartier-Bresson 有相当多的经典街头摄影作品是在1932年拍摄的吧。

© 吴家林

吴家林老师如今非常提倡抓拍,他在讲座中放映的作品大多是抓拍为主,但只要他认为照片中有任何一点的摆拍成分,他就会特别指出。我相信这与他在六七十年代时的摄影经历是密切相关的——当时正值文化大革命时期,国内的新闻摄影环境是非常提倡摆拍的(也就是做假新闻照片),这段经历让吴家林老师感到非常懊悔和内疚,他认为自己伤害了那些照片中被要求摆拍的被摄对象。从八十年代起,他决定并发誓自己永远不再摆拍。

 

「拍什么不重要,怎么拍才重要」

© 吴家林

虽然吴家林老师以他拍摄的纪实项目著称,但在我看来,吴家林老师的纪实摄影是融入很多街头摄影的表现手法。他在讲座中多次提到「拍什么不重要,怎么拍才重要」,他认为当今有很多摄影师过分纠结题材,甚至会为了保证自己题材的「原创性」而保密,而吴家林老师则认为题材(也就是「拍什么」)不重要,重要的摄影师如何去表现眼前正在发生的事件与景象。

在某种程度上,我是同意吴家林老师的这个观点的。如果让我回到两年前乃至一年前,我相信自己都会几乎100%地认同这个观点,毕竟街头摄影就是这样地随性——题材都在街上等待摄影师去发现,关键就在于摄影师怎样用自己的双眼去过滤自己不想拍的东西,并用合适的表现手法(对比、并列、反差、错位、呼应、光影、几何、多主体、层次等等)去展现自己想拍的东西(也就是「怎么拍」)。但对于 project-based(基于项目)的摄影师来说,拍什么显然是非常重要的。

就像我前几天到深圳去参加这几个讲座活动(讲座活动都在晚上进行),就打算白天顺便在深圳找地方拍拍照(主要是为了我的 The Path Unknown 项目)。尽管我事先已经在地图上作了一番研究,找到了一些我认为我可能会感兴趣的地方去拍照,但最后去到却发现这些地方都没有我想拍的东西,也就是说在这些地方找不到符合我创作理念的拍摄主体。是的,我很清楚自己想要拍些什么——拍什么很重要。

对于任何艺术家来说,创作动机和理念都是非常重要的。同样地,对于想通过摄影来实现自我表达的摄影师来说,创作理念同样重要,理念决定了你的拍摄题材、方式、手法、技术。

Alex Majoli 就是这样一个「重理念而轻技术」的摄影大师。

 

Alex Majoli

拉脱维亚,2004年 / © Alex Majoli / Magnum Photos

早在两年前,当我在看《馬格蘭眼中的馬格蘭》(英文原版叫 Magnum Magnum)这本书时,Alex Majoli 的黑白人像作品就给我留下了深刻的印象,而去年(2016年)他也曾经到中国北京、广州等地拍摄春运的状况(http://www.msnbc.com/specials/migrant-crisis/china)。

 

Alex Majoli 的早年经历

希腊,1994年 / © Alex Majoli / Magnum Photos

在1971年出生于意大利 Ravenna 的 Alex Majoli 从四五岁就开始拍照了。在十五岁的时候他加入了当地一个叫 F45 的摄影工作室学习摄影,随后也在当地的艺术院校里学习。Alex Majoli 在讲座中坦言自己当初之所以想成为一名报道摄影师(photojournalist)是因为他想走遍全世界,去很多很多的地方。于是在1991年,当他从艺术学校毕业后,便开始了自己的报道摄影生涯,在此后的十年里他去了南斯拉夫、中东、南美、印度等地进行报道摄影工作。1996年,他开始加入马格南(不过他在2001年才成为正式成员),当时他开始向往那种自由自在的自由摄影生活(free spirit),开始打算不再为杂志、报社进行报道摄影。虽然之后他一直都又在为杂志、报社拍照,但他已经开始更多地进行个人项目的创作。

 

Alex Majoli 的创作理念

希腊雅典,2017年 / © Alex Majoli / Magnum Photos

过去我一直觉得 Alex Majoli 的作品中存在着一种戏剧化的张力,他拍摄的每一张照片都像是在剧场的舞台上精心设置好的场景一样,而他的拍摄主体(通常是人物)则像是演员,这无论是在他十年前的黑白肖像系列作品 Libera Me 还是在他近几年的作品中都有所体现。这种舞台戏剧般的效果是 Alex Majoli 刻意打造的,在 Alex Majoli 看来,社会就是一个大型剧场,我们每个人都在演着各自的角色——这恰恰是他想通过自己的作品传达的个人理念。

在了解到 Alex Majoli 的创作理念之前,我也常常觉得人生就是一场戏剧,甚至比戏剧还戏剧,不是吗?整个社会都是一个剧场,我们每个人都在演戏——比如说我现在在学校里演的就是一个「商科学生」,但这只是表象,其实我的内心是拒绝的,我真正想成为的是一个具有足够创造力和影响力的艺术家。或许,很多时候我们只是在为了别人的期望而演戏,比如在父母面前装作是乖孩子,在老师面前装作是好学生,在朋友面前装作是个可靠、老实、热情的人……但是,这真的是你自己吗?

I highly doubt it.

 

关于文学、戏剧、绘画对摄影的影响

希腊雅典,2016年 / © Alex Majoli / Magnum Photos

刚刚讲到 Alex Majoli 独特的创作理念,那么他的这种创作理念究竟是如何形成的呢?Alex Majoli 多次提到文学、戏剧、绘画对他创作理念、形式的影响。其中对 Alex Majoli 影响最大的大概是意大利剧作家 Luigi Pirandello 和德语诗人 Rainer Maria Rilke,他还给我们展示了 Rainer Maria Rilke 的一句名言:

“We discover that we do not know our role; we look for a mirror; we want to remove our make-up and take off what is false and real. But somewhere a piece of disguise that we forgot still sticks to us. A trace of exaggeration remains in our eyebrows; we do not notice that the corners of our mouth are bent. And so we walk around, a mockery and a mere half: neither having achieved being nor actors.” – Rainer Maria Rilke

虽然我无法准确理解并翻译这段话,在网上也没有找到合适的译文,但大意大概是即便我们意识到自己是社会这个大剧场的一个演员,哪怕我们极力甩掉身上的所有伪装,我们依然无法摆脱自己是演员的事实。

Alex Majoli 还提到很多画家对他摄影创作(用光、构图、情绪张力)的影响,包括被誉为「欧洲绘画之父」的 Giotto di Bondone、意大利画家 Michelangelo Merisi da Caravaggio 等文艺复兴时期的画家。

以下是部分 Alex Majoli 在讲座中提到的文学、戏剧作品:

  • The Divine Comedy by Dante Alighieri
  • Il fu Mattia Pascal by Luigi Pirandello
  • Six Characters in Search of an Author and Other Plays by Luigi Pirandello

 

关于摄影的「真实性」

伊拉克,2003年 / © Alex Majoli / Magnum Photos

尽管 Alex Majoli 早年有从事过大量报道摄影的经验,但他并不认为摄影反映的就是真实、现实。

“Photography is a big lie, but it’s beautiful.” – Alex Majoli

「摄影是个大谎言,但却是个美丽的谎言。」- Alex Majoli

正如他认为社会是个大剧场一样,我们每个人都是演员。当摄影师的镜头对着被摄主体时,被摄主体(人物)会因为意识到自己将要被拍下来而做出不一样的「表演」来。从这个角度来看,他认为摄影的真实性是非常有限的,更别说摄影师对画面取景、构成的主观操纵以及摄影师本身对当时场景的影响了。很多时候我们都无法分清画面中有哪些是真、哪些是假,有多少程度的真、有多少程度的假。Alex Majoli 还放出了这样一张幻灯片:

“How real is that which is real?”(「那真实的东西究竟有多真?」)

 

「重理念而轻技术」

希腊雅典,2016年 / © Alex Majoli / Magnum Photos

Alex Majoli 在讲座中几乎没有解释任何照片是怎么拍的,只是在一路地介绍自己的摄影经历,同时放映自己同时期的作品,以及谈论文学、绘画等其他艺术形式对他摄影的影响。在提问环节,有很多人希望他能够就某一张照片讲解它就究竟好在哪里、他当时是怎样构图之类的,Alex Majoli 表示自己拍照时构图往往不是刻意的,而是直觉性的。有人问 Alex Majoli 自己最喜欢的照片是哪一张,Alex Majoli 一笑置之并没有正面回答(很明显 Alex Majoli 是 project-based 的、追求用一系列作品来传达自身理念的摄影师啊)。还有人还问到他的作品究竟是用了闪光灯还是自然光,Alex Majoli 则表示这些作品大多数都是用了闪光灯,同时他还表示这些技术性的东西并不重要,创作理念才是最重要的。

 

关于「为什么要尽可能地少看其他摄影师的作品?」

希腊,2015年 / © Alex Majoli / Magnum Photos

在今年发布的 Magnum Guide(Wear Good Shoes / Advice From Magnum Photographers里面,几十位马格南摄影师分别提出了自己对年轻摄影师的建议,其中 Alex Majoli 的建议是这样的:

“I would advise to read a lot of literature and look as little as possible at other photographers’ [work]. Work everyday even without assignments or money–work, work, work to discipline yourself and not for editors or awards. And also collaborate with people who are not necessarily photographers but people you admire. The key word to learn is ‘participation’!” – Alex Majoli

「我建议你们多看文学作品,而尽可能少看其他摄影师的作品。哪怕没有收到任务或金钱,每天都应该坚持工作——做、做、做,为的是训练自己而不是为编辑或奖项工作。同时你应该和其他人合作,他们可以不是摄影师,但要是你钦佩的人。学习的关键在于『参与』!」- Alex Majoli

当我看到第一句话的后半句时,其实我是纳闷的——为什么他要让我们尽可能地少看其他摄影师的作品呢?难道是他认为这样有助于我们 stay true to ourselves,不至于被他人影响而淹没了自己的声音?于是,在讲座的提问环节,我问 Alex Majoli:「为什么你鼓励我们要尽可能少看其他摄影师的作品呢?这有何用意吗?」

Alex Majoli 的回答让我相当佩服、满意。他之所以这么说的原因是他认为,在以前那个没有互联网的年代,他们学习摄影要去看很多的书、找很多的资料,这样他们很清楚自己想要学习的是什么,对不同摄影师的作品也能有深刻的理解;但现在网络太发达了,在网上随便一搜都能看到很多摄影师的作品,以至于很多人看到这些摄影师的作品觉得很棒就去模仿,但他们并不理解这些摄影师的创作背景、理念。Alex Majoli 还认为「模仿」(imitate)和「被启发」(get inspired)是完全不同的两回事,他认为被其他的摄影师所启发是好事,但摄影师不应该去模仿其他摄影师的作品。

 

关于艺术、创作手段

© Alex Majoli / Magnum Photos

还有人提问有关「摆拍」和「抓拍」的问题。Alex Majoli 表示他近期的作品是以抓拍为主(只不过大多数用了闪光灯),但他认为「摆拍」和「抓拍」都是很好的创作手段。他认为创作手段很多时候都不那么重要,重要的往往是最终呈现出来的作品,他还举了宇航员用天文望远镜拍星空的例子,他认为那些星空照就是艺术,宇航员也算是艺术家,与此同时他还提到了另一个叫 James Rosenquist 的美国画家也有很多画宇宙、星空的作品,他认为这些也是艺术。他还提到自从杜尚在一百年前把小便池放进艺术展览馆之后,艺术的定义已经无限扩大了。

讲座之后还有人将 Henri Cartier-Bresson 的一张照片拿给 Alex Majoli 去解读,Alex Majoli 认为他不应该将这张照片看成是一张照片(photo),而是要把它看成一张影像(image),去分析它的几何构成等等。

 

关于照片编辑(editing)

法国,2017年 / © Alex Majoli / Magnum Photos

至于照片编辑的问题,我在讲座前就已经听说在 Alex Majoli 的 workshop 上他几乎都是在讲授照片的编辑(挑选)。他在讲座上也表示其实拍摄过程没有那么重要,照片的整理、挑选、编辑反而更重要,同时他也认为照片的编辑工作不应该由摄影师本人完成,而是要交给摄影师信赖的朋友完成。

 

即使是 Alex Majoli 也有「迷茫」的时候

希腊雅典,2016年 / © Alex Majoli / Magnum Photos

Alex Majoli 在放映自己近期的作品时表示,这样的拍摄方式(使用闪光灯表现出一种戏剧舞台的效果)对于他来说其实是一种实验(experiment),而且这种拍摄方式的难度也导致他的「出片率」很低,他也不知道自己的这系列作品最终会走向怎样一个结局,他甚至说自己常常会质疑自己:「我他喵的究竟在干什么啊?」(“What the fuck I am doing?”)

 

一些技术性(拍摄技巧)的细节

巴黎,2017年 / © Alex Majoli / Magnum Photos

虽说 Alex Majoli 是个「重理念而轻技术」的摄影师,但他也分享了一些拍摄技术方面的细节。比方说他是如何创造出这样一种舞台般的场景效果,并且让画面中的人物都像剧场中的演员一般呢?Alex Majoli 说他会在拍摄同一个场景(画面)时多次按下快门并触发闪光灯,或许闪光灯在闪第一下的时候人们不会有太大反应(这就是最原始的画面),然后闪第二下、第三下的时候,有些人就会逐渐意识到这是有摄影师在用闪光灯拍照,于是就会慢慢走开或是有其他有趣的反应等等。这样的拍摄方式似乎有点 Bruce Gilden 的影子,但 Bruce Gilden 更多的是拍摄单个人物的情绪张力,而 Alex Majoli 则会表现出剧场舞台般的戏剧效果(展现一整个场景)。

 

Christopher Anderson

Christopher Anderson 在讲座开始前半小时在 Instagram 上发的一张照片

在讲座开始前,我注意到 Christopher Anderson 在 Instagram 上发了一张照片(上图),这张照片中的人物是讲座现场(深圳回酒店)的一个工作人员。讲座后我上前去问 Christopher Anderson 为何要在讲座前发布这样一张照片,他笑了笑说道:「Why not?」

我第一次知道 Christopher Anderson 应该是在看 Magnum Contact Sheets 的时候 ,Christopher Anderson 当时在沉船上拍摄的作品和经历给我留下了深刻的印象——「我们为什么要拍那些没有人会看到的照片呢?」不过,我更喜欢的其实是 Christopher Anderson 最近十年拍摄的个人项目,以及他在 Instagram 上发布的那些拍摄他朋友、家人、孩子的快照(random snapshots)。

 

Christopher Anderson 的早年经历(以及对他摄影理念形成的影响)

海地,2000年 / © Christopher Anderson / Magnum Photos

Christopher Anderson 并没有给我们介绍他的摄影生涯是怎样开始的,但他说他那次拍摄海地沉船的经历是他第一次拍这么重大的纪实项目,在那之前他在摄影方面并没有太多的经验和造诣。2000年的时候,他和一名美国作家跟随44名海地非法移民乘坐一艘的破旧小木船去美国顺道拍摄,然而几天之后船舱就开始进水了(也就是说船快要沉了)。直到那时 Anderson 都没有拍很多照片,但他感觉在自己死之前拍照好像有点不太合时宜(不太对劲)。但船上有人跟他说:「Chris,你最好还是开始拍照吧,我们只剩下一小时的活命了。」虽然最后他们被路过的 US Coast Guard(美国海岸警卫队)救了出来,但是这次差点让他丧命的拍摄经历让永远地改变了他对摄影的态度,也对自己「为什么摄影」这个问题有了更深刻的认识:

“Much later on, back home safe, I reflected on this question: why make pictures that no one will ever see? The only explanation for me was that the act of photographing had more to do with the explaining of the world to myself than explaining something to someone else. The pictures were about communicating something about my experience, not about reporting literal information. This would be the single most transformative moment of my photographic life.” – Christopher Anderson

「后来,我安全地回到家之后,我开始思考这个问题:为什么要拍那些没有人会看到的照片呢?我最后得到的唯一合理的解释是:拍照对于我来说,更多地是向自己解释这个世界,而不是向别人解释些什么。这些照片的意义在于展现自己的经历,而不是报道一些信息。这就是我摄影生涯中最具转折性的一刻。」- Christopher Anderson

从那以后,Christopher Anderson 就开始觉得摄影应该要能表现摄影师的主观思考,同时他也认为摄影是与摄影师的个人经历紧密相关的。不过在2000年到2004年这几年期间他依旧主要是为杂志进行报道任务的拍摄,这几年间他主要在中东、北非、中亚等地拍摄,他也拍摄了伊拉克战争。但从2004年开始,他对摄影的客观性的质疑越来越大,于是他决定逃离中东,去到委内瑞拉拍摄自己的项目(后来出版成摄影集 Capitolio)。

 

关于政治项目的「个人化」

委内瑞拉,2006年 / © Christopher Anderson / Magnum Photos

即便 Christopher Anderson 在委内瑞拉拍摄的 Capitolio 项目常被人当作是政治性的报道摄影项目,但他本人表示他想透过这个项目展现的是他当时所看到的委内瑞拉以及他对委内瑞拉的感觉。几年后,在2012年到2013年期间,他也拍摄过一个叫 STUMP 的有关美国政治人物的项目。对于他的作品中是否带有政治性的问题,Christopher Anderson 非常严肃地表示:「即便是我的那些政治项目,也完全不是政治性的。」(“It’s not political at all even for my political work.”)

Christopher Anderson 还表示,他是一个政治中立的人,他拍摄这些政治项目更多地是为了展现自己对这个世界的看法,对政治的力量以及权力的本质的思考与见解。嗯嗯,这些的确能够在他的 Stump 项目里面看出来。

 

关于从报道摄影到个人项目创作的转变

纽约市,2009年 / © Christopher Anderson / Magnum Photos

2008年,Christopher Anderson 的第一个儿子出生了,同时他的父亲也被诊断出患有癌症,这引发了他对生命轮回、春去秋来的思考,于是他开始拍摄自己的家人,后来出版成摄影集 SonSon 这个项目无疑是 Christopher Anderson 摄影生涯的又一个重要转折点——在那以前,他拍摄的大多是黑白的、带有政治性质的报道摄影作品(即便他在 Capitolio 里面融入了更多的主观视角),但从 Son 开始,他转向了彩色摄影,也开始将镜头从战场、政治运动现场转向家人、生活场景。

为什么 Christopher Anderson 会不再进行报道摄影,而要转向个人项目的创作?除了之前提到的他对摄影客观性的质疑以及个人经历的影响,Christopher Anderson 还说到自己在从事报道摄影时还是太年轻、太天真了,以至于他当时根本没有意识到其危险性。他还谈到自己当初登上那条从海地到美国的小木船时,并没有带太多装备,只带了一个防水的干燥袋来装相机和胶卷,以为自己这样就能从海地乘船平安地到达美国。

 

摄影并不重要,经历才重要

委内瑞拉,2007年 / © Christopher Anderson / Magnum Photos

虽然 Christopher Anderson 并没有直接说「摄影不重要,经历才重要」这样的话,但他提到了经历的重要性。即便如今他已不再在战场、政治运动现场拍摄那些激烈的战争、社会事件,但他拍摄的家人、朋友、孩子以及他平时在生活在看到的一切有趣的事物,这都与他的生活、经历直接相关。

讲座中还有人问到:「你说现在你的摄影就是你的生活,那如果你的生活变得很无聊的话,你会刻意去找一些有趣的东西来拍吗?」Christopher Anderson 一边笑着一边回答说:「肯定会啊。我来深圳就是为了找有趣的东西拍的!」

是的,「摄影不重要,经历才重要」是我的个人观点,但在得知 Christopher Anderson 和我有着相似的摄影观时,我还是很高兴的(笑)。我越来越觉得经历才是自己作为摄影师收获的最宝贵的东西,如果没有接触摄影,我的人生很可能会完全不一样(可能会变得无趣得多)。但因为摄影,我结识了很多如果不是因为摄影我根本不会结识的有趣的朋友,我去了很多如果不是因为摄影我根本不会去的地方,我经历了很多如果不是因为摄影我根本不会经历的事情。更重要的是,摄影和其他艺术形式最大的不同点在于——对于摄影,你只有亲身去经历某件事,你才有可能把它拍下来。如果你想拍战争,你必须去到战争现场;如果你想拍你的家人,你必须和你的家人待在一起;如果你想拍你对某个城市的感觉,你必须在这个城市里经历些什么。

是的,通过摄影最终得到的照片、作品终究是身外之物,但那份经历会伴随你的一生。

感谢摄影让我经历了这么多。

 

对 Instagram 的看法

Christopher Anderson 的 Instagram 截图

Christopher Anderson 说他如今很喜欢 Instagram 这类照片分享应用的「即时性」。就像我之前提到的那样,他在 Instagram 上发布照片前并不会想太多,很多时候都是拍了马上发。虽说这么做好像很随性,但如果你去翻 Christopher Anderson 的 Instagram 的话,你会发现他的这些「随手拍」是相当的高质,而且风格非常统一。

如今很多马格南摄影师都在 Instagram 上很活跃,比如 David Alan Harvey、Alec Soth 都是在 Instagram 上相当活跃的摄影师。通过 Instagram,我们不仅可以看到他们的一些近期的作品,还可以看到他们的日常生活是怎样的——这才是 Instagram 最吸引人的地方嘛(笑)。

 

关于器材与拍摄方式

纽约市,2016年 / © Christopher Anderson / Magnum Photos

在讲座的提问环节,有人问 Christopher Anderson 如何在街上拍照而不被被摄对象发现——当然,在 Alex Majoli 的讲座上也有人问过同样的问题。Christopher Anderson 对此的回答是参考 Alex Majoli 当时的回答:只要你知道自己为什么要这样做,并且有充足的理由并在拍照时保持真诚、自信,这些都不是问题。同时他还提到过去 Henri Cartier-Bresson 当时之所以会用 Leica 这样的小型相机拍照是为了让自己「隐形」(也就是不让被摄对象发现),但如今 Leica 已经是个很大的相机了,任何比 iPhone 大的相机都是大相机。因此 Christopher Anderson 表示自己并不在乎自己是否对被摄对象发现,他甚至还想走到另一个极端——用超大的相机(比如大画幅相机)在街上拍照,让整条街的人都知道他在拍照。他还提到如果你刻意让别人知道你在拍照,人们很多时候往往会更放松,他还提到自己在街上「偷拍」一个警察的时候确实是用了三脚架和超大超长的望远镜头,那个警察确认他手里拿的是相机而不是枪后也就没有管他了。

过去我常常说街头摄影不应该用长焦、大相机之类的,其实现在我越来越觉得器材应该服从于拍摄方式,拍摄方式则服从于创作理念,也就是说只要能够符合你的创作理念,使用怎样的器材、拍摄方式都是可以的。现在看来,其实用大相机、长焦镜头扫街好像还能拍到一些很好玩的东西呢(笑)。

 

关于近期项目的分享

法国,2012年 / © Christopher Anderson / Magnum Photos

很多摄影师都不愿意分享自己目前正在进行的项目,他们都想等到项目完成时才公之于众,但 Christopher Anderson 并不是这样「遮遮掩掩」的摄影师——他给我们分享了两个现在仍在进行中的两个项目,其中一个是始于2010年的 Bleu Blanc Rouge 项目。Bleu Blanc Rouge 的意思是「蓝、白、红」这三种颜色,这也是法国国旗的三种颜色,Christopher Anderson 在这个项目里尝试探讨的是他对 French identity and culture(法国身份和法国文化)的个人思考和见解,但这也不是一个政治性的项目,他也把一些自己家庭在法国生活时的一些照片放在里面。

对于另外一个目前还没有名字的项目,Christopher Anderson 表示这只是一个刚刚起步的想法,但我感觉他已经拍了不少的照片(至少他给我们看了很多照片),这些照片大多都是拍摄警察的,以彩色为主但偶尔也会一些黑白照片出现,很多照片都是用中长焦拍摄的(压缩感很强)。至于他的这个项目究竟想表达些什么,只有时间会告诉我们吧(笑)。

 

对他影响较大的摄影师

纽约,2014年 / © Christopher Anderson / Magnum Photos

Christopher Anderson 是个「自学成才」的摄影师,也就是说他并没有接受过正规的艺术/摄影教育,但他提到对他影响很大的摄影师有很多很多,而且在他摄影生涯的不同阶段都有不同的摄影师对他产生影响。其中 Christopher Anderson 多次提到了 William Eggleston,也承认自己的一些作品里的确有 William Eggleston 的影子,他还提到了我很喜欢的且摄影师们喜闻乐见的 Josef Koudelka 和 Richard Avedon。

 

关于照片编辑(editing)

纽约市,2008年 / © Christopher Anderson / Magnum Photos

我一直以来都很想知道那些经常拍摄个人项目的摄影师是怎样去挑选、编辑自己的照片的,毕竟这类作品的精髓就在于摄影师本人独特的个人经历和情感,但如果只由摄影师本人来挑选照片的话,又很容易会受到一些个人主观情绪的影响(emotionally attached)而选到一些虽然摄影师本人喜欢但实际上很平庸的照片。因此在提问环节我问 Christopher Anderson 是如何 edit 的,他说他的作品基本上都是自己挑选的,虽然他也会让一些信任的摄影师朋友(比如 Alex Majoli)去帮他挑选,但如果他真的很喜欢一张照片,哪怕别人都不喜欢,他也会相信自己的直觉。

 

关于 Alex Majoli 和 Christopher Anderson 的其他有趣的事实

Christopher Anderson(左)和 Alex Majoli(右),意大利西西里,2017年 / © Christopher Anderson / Magnum Photos

  • Alex Majoli 和 Christopher Anderson 都是70后,两人只差1岁。
  • Alex Majoli 和 Christopher Anderson 两人年轻时都是从事报道摄影工作为主,但后来都转向了个人项目,两人都算是有着独特理念的新生代马格南摄影师。
  • Alex Majoli 有接受过正统摄影/艺术教育和训练,Christopher Anderson 基本都是靠自学。
  • Alex Majoli 和 Christopher Anderson 很明显是好朋友,感觉很合拍。Christopher Anderson 表示自己在整理、挑选、编辑作品时也会很看重 Alex Majoli 的建议。
  • Alex Majoli 的身高大概在185cm左右,Christopher Anderson 身高应该不到170cm。其实当时我还很想问 Anderson 为什么总是戴着顶帽子,或许帽子能起到「增高」的作用吧(笑)。
  • Christopher Anderson 说他已经很多年没见到过 Trent Parke 了,大概是2009年之后就没见到过了。他也觉得 Trent Parke 是一个非常低调的人,基本都待在澳大利亚,很少出国。
  • Christopher Anderson 和 Alex Majoli 都认为 Bruce Gilden 是很棒的摄影师(a great photographer),尽管他的拍摄方式惹怒(piss off)了很多人。

 

 

《与马格南的近距离接触》系列

 

 

2017-10-18T19:07:48+00:00 2017/10/18|